Web 2.0 educativa

Web 2

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 La web 2.0 es un instrumento de construcción colaborativa de conocimiento, basada en comunidades de usuarios y varios tipos de servicios que fomentan el intercambio de información.

Ofrece servicios de publicidad, comunidades fotográficas, distribución de contenidos, descargas de música, enciclopedias, páginas personales, optimización en motores de búsqueda SEO, costo por click, Wikis y tags.

Para nosotros los docentes son importantes los contenidos y los mecanismos mediante los cuales accedemos, creamos, recopilamos y los conectamos.

Aníbal de la Torre en la página Web Educativa 2.0, afirma: lo que más gusta de esta nueva web 2.0 es que Internet ha pasado de ser un espacio de lectura a ser de lectura escritura.

Los máximos exponentes de esta afirmación son los blogs, weblogs o bitácoras y su versión educativa los edublogs.

Las aplicaciones en docencia que podemos encontrar son: blogs de asignaturas, en las que publicamos noticias, pedimos comentarios, recopilamos actividades, etc. Weblogs individuales y colectivos en las que se les piden entradas  al alumnado para un apoyo o seguimiento, o para que trabajen de forma colectiva.

La web 2.0 es una actitud, que hace que nuestros proyectos tiendan a renovarse y evolucionar.

El uso que se le podría dar en mi aula  y, debido a que parte de mi alumnado es gente mayor y que realiza una activad económica, y les es difícil llevar el ritmo de la clase seria combeniente la realización de un blog personal, para ofrecer materiales y hacer llegar información a este tipo de alumnado en particular y al resto del alumnado en general.

Nuestro ciclo dispone de un número determinado de marcos con cristales y una galería que el centro nos cedió, donde el alumnado de nuestro ciclo expone sus trabajos (una exposición al mes) y los da a conocer al resto de la comunidad educativa. Esto gusta y motiva al alumnado. Por lo que pienso que se podría crear una galería en flickr, para que el alumnado subiera sus fotos. De este modo se produciría más interacción al salir sus obras del entorno del centro. Ellos verían y les verían. Esto  sería otra forma de estimulación.

A nivel del centro también se podría crear un blog para que el alumnado escribiera, opinara y se expresara. También podría realizarse para proporcionar información general sobre el centro.

Foto retocada con picnik

Se trata de una foto perteneciente a las jornadas de puertas abiertas 2007.

Marcha de Radetzky

Concierto de año nuevo 2006. Filarmónica de Viena.

El desnudo

El desnudo ha tenido siempre gran importancia en el mundo del arte. Se trata del objeto que más íntimamente se conoce. Se ha visto ligado siempre a las convenciones y tabúes que se han ido desarrollando en torno al sexo en todas las sociedades. Los artistas han reflejado en el los cambios morales, políticos y religiosos a lo largo de la historia.

Todo desnudo tiene un elemento sensual o erótico y, el espectador contempla el desnudo con un interés que no despierta otro tema.

Si observamos a grandes rasgos el desnudo producido por los artistas a lo largo de la historia, vemos que, además que en lo tocante a la belleza, cada uno representa un ideal de su tiempo. Por ejemplo las Venus griegas representan una idealización de la feminidad. En la época medieval el desnudo es tratado con proporciones suavizadas y estilizadas. En el siglo XVIII se produce un retorno a lo clásico.

La escultura y la pintura dejan gran margen de interpretación, la fotografía se encuentra con que la cámara es más reveladora y clínica. Por lo que el fotógrafo descubrirá que crear un desnudo bello que no raye en la pornografía o en la mera desnudez es realmente difícil. Por lo que representa un desafío y, ha sido enfocado de diferentes formas. Las más significativas son: el desnudo como objeto, como diseño, distorsionado y el desnudo en su entorno.

 La fotografía al nacer en el periodo victoriano, también trata en un principio el desnudo de una forma mojigata,  pudorosa y clásica.

Cuando los fotógrafos se liberan de puritanismo victoriano, se aborda la forma humana más directamente, como un objeto, lo que se pretende es tratar la imperfección de la realidad y alcanzar la belleza. Se fotografía el cuerpo en cualquier ángulo y forma, con gran nitidez y esmeradas poses, siempre sutiles. Todo ello llevo a un mayor refinamiento y el fotógrafo empezó a preocuparse por los elementos del diseño, llegándose a la abstracción con elementos simplificados o totalmente aislados. De aquí se llega a la distorsión, pero no la distorsión que se deriva de las estatuas griegas, que aspira a un ideal divino, o el desnudo medieval con sus figuras alargadas, suaves y pechos diminutos.

El desnudo es una representación de las demandas psicológicas y estéticas de una época. Cuando los artistas se cansan de repetir las ideas de otros, empiezan a cambiar produciendo estudios fríos y perfectos. Los fotógrafos modernos son más innovadores, llevando la distorsión al extremo. Utilizando objetivos de hasta 180 grados, puntos de vista cercanos, reflejos en objetos curvos, utilizando el movimiento…

También se fotografía el desnudo en su entorno. Hasta ahora el escenario es ignorado, o está ausente o es subordinado, sin importancia. Los cuerpos empiezan a caminar por los bosque, la orilla de los ríos, posan en las ciudades, habitaciones, miran por las ventanas, piensan… Cuando un desnudo se coloca en un escenario sugiere acontecimientos, hace que el observador se plantee preguntas. Esta dimensión tiene un peligro, el desnudo y el entorno deben unirse, expresar más o de distinta manera que por separado. Por lo que la obra se hace más personalizada.

El desnudo hoy en día esta liberado. Es tomado en exteriores e interiores, como una abstracción o una realidad, como un importante elemento o como un detalle. Se emplean todas las técnicas y se mezclan según criterio. Realmente, el desnudo es de una infinita variedad y una fuente de inspiración y belleza para el fotógrafo.

 

Ver los desnudos de los siguientes fotógrafos consagrados:

 

Primeros desnudos - ALVIN LANGDON COBURN.

                                    -EDWARD STEICHEN.

El desnudo como objeto -JEANLOUP SIEFF.

                                            -EDWARD WESTON.

                                            -LUCIEN CLERGUE.

                                            -KISHIN SHINOYAMA.

El desnudo como diseño -HARRY CALLAHAN.

                                             -GENE ANTISDEL.

                                             -FRANTISEK DETIKOL.

El desnudo distorsionado -WACLAW NOWAK.

                                               -BILL BRANDT.

                                               -WILLIAM G. LARSON.

                                               -ANDRE KERTESZ.

El desnudo en su entorno -WYNN BULLOCK.

                                               -DUANE MICHALS.

                                               -HARRY CALLAHAN.

                                               -WOJCIECH PLEWINSKI.

                                               -LESLIE KRIMS.

 

Autorretrato

El autorretrato implica un análisis en profundidad del rosto y la personalidad del fotógrafo. También implica conocerse hasta el punto de poder expresar emociones y expresiones en una toma fotográfica.

Todo fotógrafo que tome retratos, inevitablemente llega al momento en que se fotografía a sí mismo. Esto supone un doble desafío por el doble papel que juega, como sujeto a fotografiar y como fotógrafo. Como sujeto aporta el punto de vista suyo en cuanto a la personalidad y rasgos físicos. Como fotógrafo aporta indudablemente su estilo fotográfico y una mayor técnica. El fotógrafo debe enfocar en un lugar vacio, o colocar algo o a alguien en el punto en que se va a colocar el mismo. A la hora de disparar tendrá que usar un cable de disparo o un autodisparador. Para evitar estos dos problemas y con fines artísticos algunos fotógrafos se han autorretratado en espejos.

El autorretrato debe crearse primero en la mente del fotógrafo. Philippe Halsman dijo: “La mayoría de los fotógrafos orientan la cámara y disparan sin utilizar la cabeza. Lo primero es pensar, luego tomar la fotografía. Su cabeza es su más importante instrumento.”

Estos son algunos ejemplos de cómo algunos fotógrafos se han autorretratado a lo largo de la historia.

 

Ver autorretratos de:

Lee Friedlander.

Alfred Stieglitz.

Edward Steichen.

Bill Brandt.

Andre Kertesz.

Tom Muir Wilson.

William G. Larson.

Philippe Halsman.

Duane Michals.

 

Ver tambien los trabajos de:

Claude Cohun.

Cindy Sherman.

Fotografía de arquitectura.

Antecedentes.

Siglo XIX.

Los primeros antecedentes los encontramos en 1851 con la Sociedad Heliográfica que recopilaba imágenes de monumentos y conjuntos artísticos. H. Bayart.

Evrard y su taller de tiradas fotográficas 1851.1855. En el que trabajaban de 30 a 40 muchachas de la zona instruidas por él. Reproducían láminas de monumentos y arquitectura.

Los fotógrafos viajeros, una figura que perduro hasta bien entrado el siglo XX. Estos eran bienestantes que aumentaban su prestigio con cada viaje. Solían organizarse viajes a Italia, Grecia y Oriente Próximo. Fueron los primeros en traer imágenes de lugares exóticos. M. Du Camp y F. Friht.

E. Arget y C. Marville con de Paris en vías de demolición. El primero fotografió Paris y sus alrededores durante 30 años.

H. Evans famoso por sus palacios y catedrales.

En España C. Clifford y J. Laurent nos dejaron vistas de monumentos, palacios y catedrales.

Siglo XX.

Gariele Basilico arquitecto que abandona su profesión para dedicarse a la fotografía de arquitectura. Fotógrafo del hormigón. Viaja por todo el mundo trabajando en este campo. En B/N.

Miguel Cohelo. Portuges. Trabaja para revistas de decoración y arquitectura. Fotógrafo del hormogón. En color.

Joshio Taniguchi. Japonés. Trabaja en color. Fotógrafo del hormigón. Expone en el MOMA

 

Técnica.

Lo más importante a la hora de fotografiar arquitectura es la iluminación, el punto de vista y la perspectiva.

Es muy importante la hora del día, al igual que la estación del año y el tiempo, no es lo mismo fotografiar un edificio en verano que en invierno, en un día soleado que en un día nublado.

Hay que observar los edificios desde todos los ángulos posibles, elegir el punto de vista y el encuadre a diferentes horas para elegir la iluminación adecuada. Es importante realizar toma general, próxima y detalles. Siempre desde distintos puntos de vista y evitando en lo posible los elementos indeseados.

Se crean para arquitectos, agencias, historiadores, restauradores… y con un propósito subjetivo.

Dependiendo el propósito para el que se creen y si es objetivo habrá que resaltar la estructura, la forma, la textura, el emplazamiento, la comodidad, la iluminación, el espacio, etc. Cuando por el contrario el propósito es subjetivo se podrá jugar con la iluminación, el ángulo de toma y la perspectiva.

Se utilizan cámaras de gran formato y medio formato, objetivos normal, angular y gran angular, filtros, flash, fotómetro, cable de disparo, trípodes, etc.

Fotografía de paisaje.

La fotografía de paisaje aparentemente parece sencilla (apuntar y disparar). Pero no es así, para que una fotografía de paisaje funcione hay que tener en cuenta la luz ( dirección y calidad), las sombras, el tiempo que hace, la hora del día,, la estación del año, la composición, la perspectiva, el punto de toma y la distancia focal del objetivo.

Según estos parámetros puede ser, gramática, abstracta, romántica, majestuosa, etc.

Se utiliza para catálogos, revistas, libros…. En muchos casos se pretende documentar situaciones como, desastres naturales, contaminación, publicitar, etc.

Se utilizan cámaras de gran formato, medio formato y de 35 mm, también panorámicas. Objetivos normal, angular y gran angular. Los filtros más importantes son el polarizador, ultravioleta y degradados. Otros elementos son el trípode, cable de disparo y fotómetro.